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MAR. 05, 2004

X Jornadas de Diseño en la Escuela de Arte de Logroño

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  • Conferencias
    • Andreu Balius. Tipógrafo y Diseñador gráfico.
    • Mario Eskenazi. Diseñador gráfico.
    • Peret. Ilustrador y Diseñador gráfico.
    • Carles Riart. Diseñador industrial.
    • Daniel Freixes. Arquitecto.
    • Chema Madoz. Fotógrafo.
    • Toni y Bruno Sellés. Vasava. Diseñadores multimedia.
    • Javier Mariscal. Diseñador gráfico.


Conferencias


Andreu Balius

Tipógrafo y Diseñador gráfico.

Tipografía: Oír con la mirada, ver con el silencio.

 

Las X Jornadas de Diseño de la Escuela de Arte arrancaron con la ponencia “Tipografía: oír con la mirada, ver con el silencio”, a cargo del diseñador gráfico y tipógrafo catalán Andreu Balius premiado a nivel nacional e internacional.

Quizás es la primera vez que nuestra ciudad presta sus oídos a tal disciplina, que antiguamente servía para denominar al arte de imprimir y componer con tipos móviles o letras fundidas en plomo y que ahora sirve para designar a la estética de lo impreso.

Hoy la tipografía es una de las bases fundamentales de la comunicación y del diseño gráfico, de ahí la importancia de la ponencia de Andreu. Para los alumnos y profesores de la Escuela de Arte de Logroño, esta ponencia es motivadora puesto que esta institución cuenta con dos módulos de tipografía en los ciclos formativos que imparte.

Andreu sorprendió al abarrotado auditorio con una serena, poética y divertida conferencia sobre esos grafismos que tienen sonidos y que llamamos letras.

De una primera introducción didáctica sobre el origen del alfabeto dió paso a los proyectos realizados en 1993 en García Fonts  &  Co. junto con su colaborador Joan Carles Casasín. Estos trabajos cercanos al autoencargo y la autopromoción dieron lugar a unas tipografías anónimas procedentes del ámbito de lo cotidiano y llenas de humor, tales como la Matilde Script a medio camino entre los bordados de nuestras abuelas y el Píxel Art, la Font Soup, basadas en las sopas de letras o la Belter inspirada en la España kitsch de los 60’. De iguales referentes surgieron: Parkinson, Futuda (Jodido en catalán), o Juan Castillo, (tipografía de un jubilado de Albacete). El proyecto García Fonts  &  Co constituyó un proceso de investigación sobre las posibilidades expresivas de la tipografía generada para ordenador.
Los catálogos tipográficos sirvieron para lanzar a la palestra al estudio de diseño Typerware que en 1995 recibía encargos como la tipografía para la señalización de la Universidad de Salamanca o tan cercanos a nosotros como la tipografía para la Abadía Cisterciense de Cañas.

Algunas de estas soluciones supusieron bucear en el pasado y muy posiblemente sirvieron de punto de partida para que Andreu empezara a indagar en las tipografías del siglo XVIII, todo ello sin dejar de lado el presente, ya que realizó tipos como la superficial Skai, letra para un mundo hedonista, la ruda y tosca Czeska basada en los tipos tallados de Vojtej Preissig, un olvidado artista checo de comienzos del siglo XX; la tipografía para el diario La Vanguardia o el tipo Durruti inspirado en las tipografías de los carteles de la Guerra Civil española.

Verdaderamente Stanley Morison (1) estaría orgulloso de haber tenido a un discípulo tan aventajado como Andreu, lanzado a la aventura de crear una fundición digital en un país que valora tan poco este potencial y que ha dejado en el olvido todo su legado tipográfico. Menos mal que desde Cataluña se está haciendo una labor encomiable de investigación y recuperación.

Hay que mirar al pasado para ver que nuestra distancia con respecto a Europa no era tan grande, al menos en lo que a diseño se refiere y se producían unos tipos como los de Eudald Pradell, punzonista catalán del siglo XVIII, que gracias al trabajo de Andreu podemos “oírlos” de nuevo.

(1) Stanley Morison (1889-1967) fue uno de los forjadores de la moderna tipografía del libro. En 1929 escribió “ Principios fundamentales de la tipografía”  para la Enciclopedia Británica, que lo ha venido reimprimiendo en recuadro en su forma original desde entonces.


Por José Mª Lema


 



 

Mario Eskenazi

Diseñador gráfico.

Estudios Corporativos.

 

Que Mario Eskenazi estudiara arquitectura en la facultad de Córdoba (Argentina) y acabara siendo diseñador gráfico no es extraño. Ya en el renacimiento los tratados de artistas como Vitrubio, Vasari o Leonardo al referirse a la tipografía hablaban de arquitectura gráfica, pues la letra para ellos debía de ser proporcionada y armónica como lo era la arquitectura. Eskenazi parece seguir los dictados renacentistas y se convierte en un arquitecto de las letras. Hace de sus diseños un verdadero ejercicio de construcción dejando aflorar la influencia de la arquitectura a la hora de componer. Sus cubiertas de libros para la editorial Paidós, con quien trabaja desde 1976, muestran unos diseños limpios y eficaces elaborados a partir de letras y símbolos gráficos simples, como por ejemplo el asterisco. Y es que una de las grandes preocupaciones de Eskenazi como grafista ha sido evitar la polución visual (revista Visual nº 89 pág. 40) , de ahí que sus diseños se caractericen por su sobriedad y su pulcritud. Pero este diseñador siempre incluye un guiño inteligente y sutil en sus creaciones, algo que va más allá de la mera composición formal y que explora el poder comunicativo de la letra.

Según contó, llegó al diseño de la mano de los cómics, revistas como Graphics y del azar (una amiga lo puso en contacto con el diseñador de un canal de televisión). Ya en España comenzó trabajando en un estudio de arquitectura pero pronto contactó con Cruz Novillo, Carlos Rolando, Enric Satué o América Sánchez, clásicos del diseño gráfico en nuestro país. En 1975 se instala definitivamente en Barcelona y emprende su carrera como diseñador gráfico. Solbank, el Banco de Sabadell, Danone, Evax (para quien trabaja desde hace veinte años), Pans and Company, Retevisión, la Universidad de Valencia o  el Servicio de Limpieza del Ayuntamiento de Barcelona son algunos de sus clientes más destacados. Cabe señalar que Eskenazi tiene predilección por el diseño de imágenes corporativas y por el diseño editorial. Su preferencia por los libros y su interés por el aspecto visual de los mismos se lo debe a Daniel Gil  y se nos ocurre pensar que la peor pesadilla de Mario Eskenazi sería la que refleja Ray Bradbury en su celebrada novela Fahrenheit 451, magistralmente llevada al cine por Françoise Truffaut.

En su intervención hizo un recorrido por sus proyectos más destacados, regalándonos diseños tan fantásticos como los realizados para el grupo Tragaluz, entre los que destacan las corporativas de los restaurantes El Japonés y El Principal y del Hotel Omm, donde a través de las letras consigue una identificación con el contenido capaz de transmitir una sensación y una estética determinadas.

Tímido, Eskenazi dejó hablar a sus trabajos y demostró que con pocos elementos se pueden crear composiciones llamativas y elegantes. Su conferencia fue una magistral clase de diseño gráfico.

Por Mónica Yoldi

 



 

Peret

Ilustrador y Diseñador gráfico
El dibujo y su espejo.

 

Los jóvenes diseñadores, bajo la tutela de Peret, encontraron una manera de expresar sus ideas tirando de los hilos que pendían de su hiperactiva y provocadora creatividad. Escaparon de su estudio con infinito agradecimiento cuando se dieron cuenta que, de sus cerebros y manos, ya brotaba un enorme caudal de recursos gráficos y estéticos reservados, en ocasiones, únicamente al mundo del arte. Peret desacralizó el lenguaje artístico en tiempos desacralizados, sin llegar a vanalizarlo, obrado el milagro de contagiar su entusiasmo a toda una generación de diseñadores, ilustradores, publicistas, etc., que inundaron con sus imágenes los 80, para triunfar en los 90. Recuerdo unas palabras de John Constable recogidas por Gombrich: “cuando me pongo a hacer un esbozo del natural lo primero que procuro es olvidar que he visto nunca un cuadro”; así, siempre que un diseñador quiera hacer el esbozo de un diseño lo primero que procurará es olvidar que ha visto nunca un Peret.

Nuestro invitado, sin imágenes, no existiría; démosle tres excusas y una imagen. Él mismo carecía de mejores argumentos para explicar su trabajo que sus extraordinarios diseños y, al repasarlos, recordé, las breves conversaciones que tuvimos aquel día (espero no cometer ninguna imprudencia al revelarlas). En una de ellas manifestó, buscando apoyos que lo certificaran, que el diseño era “un sacerdocio”; entonces recordé a Fra Bartolomeo, el artista renacentista cuyo disegno creó escuela en Italia, y me pareció que no le importaría haber compartido con esa época todo menos la Peste. No en vano su obra se inspira en la Historia del Arte y, principalmente, en el uso del lenguaje y la imagen desarrollado por las vanguardias del XX. En otra conversación, habló del valor de la “marca” y los beneficios que le reportaba haber llegado a ser reconocido por ello; enseguida regresaron a mis dedos el tacto y las sensaciones del papel sobre el que dibujaban Masaccio o Pontormo; nada que ver estas marcas con las que decía Peret, pero así es la cabeza. Por último, me repitió con gesto impostado que él “no era un artista”, a lo que no di ninguna importancia, a la luz de sus obras. Pensé, más tarde, que quizá no se equivocaba y que pudiera ser la asignatura pendiente del diseño si es que al cruzar ese imaginario límite sigue pudiéndose nombrar como Diseño; cuando todavía no se ha agotado el influjo de las ideas de Valéry, aunque sí su siglo... y que se pondría manos a la obra en cuanto borrase, con el mismo disolvente que utiliza para pintar sobre lienzos, los trazos que algún joven le había hecho en la puerta de su estudio con un Spray dorado:
PETER TREPE ANTES QUE REPTE PERET Y LE PRETE

Por Julio Hontana

 

 


 


Carles Riart

Diseñador.
Diseño Industrial.

 

No sé si está bien enamorarse de una silla o ver en ella evocaciones de una bella mujer, pero en todo caso no seré yo el primero en decirlo. Preguntado Mariscal por su silla preferida (rev. ARDI), no dudó en responder que la hormiga de Jacobsen, pues veía siempre en ella un buen culo redondo y un busto con cintura de avispa. En mi caso tengo que decir que la silla de Carlos Riart para el piso de Fernando Amat en la Casa Mila, me cautivó desde que la vi, por la perfección de sus rasgos y por las modosas proporciones de su “dos piezas”.

En todo caso a mi alumnos no les digo nunca eso (no hay que mentar nuestros gustos a desconocidos ni hablar de sexo en clase) sino que cada vez que les enseño en diapositiva la silla de Riart explico, para su asombro, que el diseño no consiste siempre en andar buscando “ideas” maravillosas con las que sorprender a la gente, sino que también es coger una idea muy normalita y ponerse a ajustarla y perfeccionarla. El diseño no sólo está en el boceto sino en su desarrollo.

Y también la belleza. De eso saben mucho los maquilladores o los cirujanos plásticos. No es cosa de inventarse una nueva mujer sino de coger las que ya hay y estirarles un poquito de aquí o quitarles otro poquito de allá. ¡Ay! pero ya estoy hablando de mujeres otra vez...

Volvamos a la silla Amat: ese pequeño movimiento de la pata trasera, ese  trazado perfecto y armonioso de los cuatro apoyos, esas dimensiones del tapizado, esas curvitas de las esquinas... mmm ¡eso es una silla! Y en cuanto a sillones, véase el que diseñó para un despacho del palacio Virreina (que está justo debajo de esta línea). Aquí hablamos en masculino, de rasgos más robustos (sobre los que entiendo algo menos) pero de la misma idea de lo que es el diseño. Y para robusto, el sofá del mismo proyecto del Virreina.

Según nos contó en la Escuela, en la cuarta conferencia de estas espléndidas X jornadas de el diseño, Riart siempre ha ido a contracorriente de los tiempos, así que cuenta por fracasos lo que son extemporáneas genialidades. Empezó en los sesenta haciendo propuestas de muebles racionales y baratos a tanta distancia de la Bauhaus de los veinte como de los Ikea del 2000. En los setenta le dió a la imaginación y creó muebles de auténtica fantasía. En los ochenta, cuando todo el mundo abrazó las extravagancias formales de la postmodernidad, Riart se refugió en el diseño de la perfección formal y la ejecución de ebanista. Y en los ultimos años, en un mundo donde la alta costura está a punto de desaparecer, se dedica a hacer muebles de encargo y a medida con un toque de glamour que bien podría llamarse la “alta costura del mueble”.

Fue una pena que en su conferencia no nos enseñara apenas nada de esta última etapa, aunque en una charla reciente de Pep Cortés para el Ader, pudimos ver algunos de los muebles que le había hecho al tenor José Carreras. “No tengo fotos de lo que he hecho del noventa y dos para aquí”, nos dijo con toda la tranquilidad del mundo: esa tranquilidad que da el estar seguro de lo que uno hace y de la falta interés por venderse.

Para venderse ya tuvo ocasión y no lo hizo. Knoll quiso ficharle y llevárselo a Nueva York pero Riart se agarró a su tierra. De aquel desencuentro, sin embargo, nació la deliciosa mecedora que completa las ilustraciones de esta breve reseña.

Por Juan Díez Del Corral

 


 

 

Daniel Freixes

Arquitecto.
Últimas prestidigitaciones.

Este año, hemos celebrado las X jornadas de Diseño y por aquello de ser un número redondo, nos esforzamos desde la organización en presentar un cartel de diez. Entre los ponentes repetía plaza Dani Freixes, que ya nos visitó en las II jornadas de Diseño en el año 1995. Desde entonces, Dani y su equipo Varis Arquitectes, han seguido cosechando premios, entre ellos el Premio Nacional de Diseño del año 2001 en la categoría de diseñadores. Era la primera vez desde su creación que estos premios reconocían la labor del diseño de espacios arquitectónicos (la segunda ha sido este 2004 al conceder el galardón a Antoni Arola).

Dani es un mago del espacio, que aprendió a ver la vida a través de los espejos del taller de sastre de su padre. Como titiritero que fue durante dos años antes que arquitecto, dominando el tiempo con endiablada habilidad, nos mostró sus últimas prestidigitaciones. La reducción de unos espacios mágicos, muchas veces cambiantes con el transcurrir del tiempo, a las dos dimensiones de la pantalla de proyección, pierden mucho respecto a cuando los disfrutas en tres dimensiones y con el tiempo necesario. Son difícilmente explicables o entendibles, puesto que son espacios que se perciben por los cinco sentidos.
Por no entrar en el recorrido de la obra que explicó, me quedaré con el método de trabajo que compartió con los alumnos y profesionales que allí estaban.
Y no era otro que:

  • Sentir el diseño como forma de vida, no de trabajo, EMOCIÓN al proyectar, pasión por lo que se hace.
  • Observar, aprender del mundo, de nuestro alrededor actual y pasado, MIRAR.
  • Utilizar la crítica como herramienta de trabajo, DUDAR, de todo.
  • Tomar decisiones, con el riesgo que conlleva, ESCOGER.
  • Y por fin ASUMIR, responsabilizarse de lo proyectado, con madurez para seguir avanzando.

Este método y su forma de entender la arquitectura queda reflejada en la anécdota con su padre, cuando después del montaje de su primera exposición, de juguetes en la que ponía alas a unas sillas, le sentenció “siete años de carrera para poner plumas a una silla”. Al cabo del tiempo, tras visitar un montaje para Sephora en el cual había una cortina confeccionada con tres mil plumas de ganso, su padre le volvió a sentenciar “treinta y tres años de profesión para acabar poniendo plumas en un escaparate”. La respuesta de Dani: es tan difícil hacer una cortina de plumas como un pilar de hormigón. Te equivocas Dani, un pilar lo hace cualquiera, magia sólo tú eres capaz.

Nota. Como coordinador de las jornadas agradecer la colaboración del COAR y la hospitalidad de Raúl Gonzalo, al cual sólo se le puede achacar que tenga que venir Freixes para que nos invite a su bodega.

Por Javier Dulín

 

 


 

 

Chema Madoz

Fotógrafo.
Procesos Creativos.

 

Dentro de las X Jornadas de Diseño la conferencia de Chema Madoz tuvo la singularidad de presentar a un fotógrafo. La explicación es bien sencilla: en los ciclos de Ilustración y Gráfica Publicitaria que se imparten en la Escuela de Arte existe la asignatura de fotografía. Por otro lado es incuestionable la importancia creciente que posee la imagen como parte integrante del diseño y del mundo de la publicidad.

Antes Jesús Rocandio, director de Cámara Oscura, en compañía de la arquitecto Tania Silvestrini, dieron a conocer el ambicioso proyecto de la Casa de la Imagen cuya construcción comenzará pronto con la rehabilitación del edificio de la Sastrería Orozco en la plaza de San Bartolomé. Es una estupenda noticia el nacimiento en nuestra ciudad de una empresa cultural de tal proyección, que se ocupará de todas las áreas de la creación fotográfica y audiovisual.

Jesús dio paso a Chema Madoz no sin antes recordar que fue uno de sus primeros galeristas, hace casi ya veinte años, cuando Cámara Oscura aún estaba en el pasaje de Los Leones y Madoz era todavía un desconocido.
Tras las presentaciones se apagaron las luces. Madoz tomó asiento en un lateral de la mesa. A lo largo de algo más de hora y media fue comentando, con voz susurrante, las reproducciones de sus fotografías. A partir de ese momento el numeroso público presente se quedó atrapado entre el magnetismo y la belleza de las fotos, la suavidad de su voz, los silencios, la penumbra...

Muchas de las imágenes escogidas para esta ocasión son conocidas y con todo sus palabras consiguieron ser reveladoras casi tanto como sus fotos. Fueron algo más de 150 diapositivas que sirvieron de pretexto para ir hilando su discurso.

La batería de imágenes estaba ordenada en una sucesión cronológica de tal manera que dejaba ver la evolución del fotógrafo a lo largo del tiempo. Llama la atención que toda su creación sea fotográfica, y esa perseverancia en mantenerse fiel al blanco y negro dada la variedad de géneros y de influencias que toca: reflexiones en torno a la arquitectura, el diseño, la música, la pintura, al ready-made, a la propia fotografía, unido a vivencias personales; todo ello expresado con una economía de medios minimalista y mediante la reflexión en torno al objeto. Es como si emplease la fotografía a modo de una ventana a través de la cual pudiera observarse el mundo con una mirada nueva.

Sus fotos logran condensar el tiempo y resumir en una sola imagen lo que otros han de expresar en una serie. Utilizando un agudizado ingenio y sentido de la observación, consigue obviar lo obvio, enseñando de los objetos lo que nadie ha podido ver antes.

Enmascarado tras la apariencia elegante y formalista de sus bodegones de objetos y la cuidada elaboración de sus fotografías, Chema Madoz es un subversivo que opera sin efectismos con la ironía y la observación reposada y lúcida de las cosas.

Por Miguel Ropero

 



 

Toni y Bruno Sellés. Vasava

Diseñadores multimedia.
Vasava artwokrs: Un huevo de tres yemas.

 

Vasava Artworks es un estudio de diseño que nació de la mano del ya conocido diseñador Toni Sellés en el año 1997. Junto a él, su hijo Bruno y un equipo joven de alrededor de 12 personas provenientes de diferentes campos y disciplinas, desarrollan proyectos de muy diversa índole y en múltiples soportes.  En Vasava todos los diseñadores afrontan día a día su trabajo con una perspectiva común: abordar la gráfica desde la investigación permanente y la búsqueda de nuevos valores y  tendencias, dejando atrás “viejos” modos de hacer de la comunicación convencional.

En las X Jornadas de Diseño de la Escuela de Arte, tuvimos ocasión de comprobar cómo llevan a cabo sus objetivos con la exhibición de algunos de sus últimos trabajos en diseño editorial, de comunicación de eventos y exposiciones, websites, o de productos que ellos llaman “de creación propia”, tales como Evophat, Place o 1x1.

Por todas las páginas por las que navegamos, nos pudimos deleitar con la riqueza de sus recursos gráficos, su música, sus referentes plásticos y en definitiva, con su universo de comunicación.

Si en días anteriores disfrutamos con la gráfica de grandes diseñadores del siglo XX como Peret o Mario Eskenazi con Vasava terminábamos las Jornadas con una visión muy fresca del diseño que imagino, será el del siglo XXI.

Por Julia Javaloy

 



 

Javier Mariscal

Diseñador Gráfico.
Estudio Mariscal, Últimos proyectos.

 

La jornada empieza relativamente pronto ya que la conferencia estaba programada para la tarde y son las once de la mañana. Mariscal aparece en el hall del hotel al que ha llegado hace unos minutos en taxi desde Bilbao. Ha pasado por el Domine, hotel emplazado frente al museo ideado por Gehry y en el que también se refleja en su exterior, mediante un sistema de espejos, alguna de las estaciones de metro diseñada por Foster. Él llevó a cabo la dirección estética de las cinco plantas no sólo con sus diseños, también los hay de Philippe Starck, Ron Arad, Alvar Aalto, Arne Jacobsen o Isamu Noguchi entre otros, en butacas, baños, alfombras..., consiguiendo lo que pretendía, reflejar una historia del diseño abandonando la idea de lo que normalmente es un hotel de lujo, “plasmando un concepto que pueda traducirse en una filosofía global”.

El día anterior también había inaugurado una exposición en la galería Colón XVI llamada “Últimas cosas” donde presentó dieciocho piezas entre esculturas, carboncillos y acrílicos siendo la silla como concepto el eje de la muestra. Aquí es donde podemos descubrir al Mariscal más personal y creativo; los trabajos realizados como estudio Mariscal son otra cosa. Para que el estudio acepte un encargo tiene que ser todo un reto si no no hay emoción.

  La conferencia de Vasava por la mañana nos hizo ver que el resto de los mortales, incluido el propio Mariscal, pertenecemos al siglo pasado. Le fascinaron, y si por nombre no sabía quiénes eran (no recuerda ningún nombre, incluido el de su mujer) después reconoció alguno de sus trabajos y le recordaron que tiene que actualizar su web. Reconoce con recelo que hay otra generación de diseñadores que vienen pisando fuerte, que la suya ya pasó. Su móvil no suena, sólo decide él cuando llamar. Llamó a su amigo Pedrito (Almodóvar), para comentar la coincidencia del estreno de su película con el fatal atentado y las consecuencias de después cuando vio el cartel de la Mala educación. También llamó a Peret para comentarle su presencia en Logroño. Su generación pertenece a los años ochenta y aunque no todos los integrantes de “El rollo enmascarado” fueron con el tiempo tan internacionales, se juntan de vez en cuando. Nos contó que estaba triste con la posible retirada de “El Víbora” pero que es bastante entendible porque todo evoluciona o cambia de formato. Recordamos a Ceesepe, Calonge, Nazario o Gallardo con naturalidad, incluso a Ocaña del que guarda gran recuerdo. Nadie preguntó por Barceló, eso son palabras mayores.

Siempre fue un niño grande con complejo de Peter Pan, ahora tiene dos niños pequeños, por lo que nunca crecerá. Dibujos, mascotas, diseño de la zona infantil Acuarinto del parque temático Huis Ten Bosch en Nagasaki, Japón...  Los dibujos animados le apasionan, tiene en mente hacer un largometraje sobre música cubana junto a David y Fernando Trueba, ya colaboró con este último en “Calle 54”. Ahora ha terminado unos títulos de crédito para una película con Santiago Segura para teenagers. Se reconoce como una especie de batidora en la que entran por igual Calder y Vázquez, Miró y Mickey Mouse, Matisse y Robert Crumb.

Aunque a simple vista parezca que vive en su rico mundo interior no es así, pertenece a este mundo y es consciente de lo difícil que es vivir del diseño cuando no se es Mariscal. “El diseño no existe si no hay empresarios que crean en él. Desgraciadamente, en España hay mejores diseñadores que empresarios”, afirma ,”cada vez hay más sensibilidad y hay muchas empresas que empiezan a apostar por una estrategia de diseño, pero los cuarenta años de dictadura hicieron muchísimo daño al mundo empresarial, que sigue siendo no muy profesional, porque va a enriquecerse de una manera burda y rápida”, dijo.

En 1999 el Estudio Mariscal produce Colors. Este es un espectáculo visual en donde conviven una pantalla de retroproyección, un protagonista-narrador que es un robot (Dimitri), 7 actores que son gimnastas, hacedores de sombras, bailarines y tramoyistas, 4 robots cantantes, una banda sonora y un equipo de luces. Es un cuento en tono de humor en donde se narra la historia de los colores con una base sonora entre cubana y ochentera basándose en la creación del mundo.

Aquí, como hacen los “artistas”, vino a hacer un bolo. En la Escuela de Arte no tuvimos a los siete gimnastas ni tampoco bailarines ni tramoyistas, tampoco vino ningún robot; todo fué sustituido por un micrófono inalámbrico, una lámpara y el propio Mariscal haciendo todos los papeles, las voces, las marionetas, las canciones.... todo. Su show sorprendió a un público entusiasmado y entregado; y muchos se acordaron de sus hijos en casa. El espectáculo fue creciendo hasta las típicas preguntas del final. No se pudo programar otro final mejor para las décimas jornadas de diseño en la Escuela de Arte, tuvimos en directo una verdadera traca valenciana la tarde de San José y de alguna manera demostró que diseñar puede ser muy divertido y no hace falta que se tenga que recordar ningún nombre; siempre que tu economía al final de mes no dependa de ello, claro.

Por Quique Fernández

 


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